ACERCA DE LA EXPOSICION Parte 2

EL PORQUE DE LA IMPORTANCIA DEL AJUSTE DE LOS VALORES EV EN NUESTRA EXPOSICION.

Quiero de manera inicial pedir una disculpa a todos los lectores de este Blog por la demora en subir la 2da.parte del artículo sobre la exposición.

Aqui esta la segunda entrega, espero que sea de utilidad para la mayoria que, de alguna manera, se habrá encontrado con la dificultad de tener en sus fotografías áreas muy fuertes de luz y sombra y que no ha sabido como encontrar la forma exacta de reproducir lo que su ojo ve.

EV= EXPOSURE VALUE o valor de exposición, es una herramienta disponible que controlara de mejor forma posible nuestra exposición.

No todos los sujetos presentan la misma luminosidad, la usamos cuando los niveles de luz y sombra son por mas iguales en sus dos partes o donde prevalece más uno sobre el otro, la decisión del fotógrafo es entonces: A que expongo, eso obviamente se lo definirá el tema que se encuentre frente a él, pero es bueno considerar los siguientes puntos.

AL ÁREA DE LA LUZ LAS SOMBRAS QUEDAN NEGRAS Y DENSAS Y SIN NINGUNA INFORMACION, ADEMAS DEL RUIDO EXCESIVO QUE PROVOCAN Y AL ÁREA DE LA SOMBRA LAS LUCES SE QUEMAN Y PIERDEN EL DETALLE, NO HAY DETALLE EN ELLAS.

Un ejemplo más para que podamos notar como un sencillo ajuste en los niveles de exposición de la cámara (EV) puede darnos una foto satisfactoria donde la mayor parte de la escena pueda ser registrada como nuestro ojo la percibe. Quiero de manera especial hacer la salvedad también que mucho de lo que podamos lograr con los niveles de EV, esta condicionado a la manera que seleccionemos en nuestra cámara en el MODO DE MEDICION, entendiendo que tenemos varias formas de medir la luz.

Evaluativa o Matricial o Multisegmentos, la Medición Parcial, la Medición Ponderada al Centro y ahora en las cámaras CANON EOS de última generación: La Spot o Puntual. Acerca de esto he escrito con anterioridad en este Blog, si queréis buscaros dentro del archivo, este tema lo complementa de manera perfecta.

Bueno, llego al final, espero que la explicación que he dejado pueda servirles para sus póximas fotografías donde se puedan encontrar con áreas de fuerte luz y sombra. Será hasta una próxima. Saludos.

ACERCA DE LA EXPOSICION parte 1

He leído tantos artículos al respecto, todas las opiniones de mis colegas las respeto de manera especial, pero creo que en esto de la pasión por la fotografía cada quién va encontrado su forma especial de transmitir el concepto, la fotografía depende de tantos factores: La cámara con que se cuenta, las opciones que se tienen para poder controlar la luz, que dicho sea de paso, considero es la materia prima de toda fotografía, los modos de medición, los disparos en ráfaga, los puntos de enfoque, etc., etc.

Pero por más vueltas que le demos al asunto, hacer fotografía es fácil, sí, lo es, ya que contamos con tres variantes que son las que incidirán de manera primaria en la obtención de nuestras fotografías.

Para los que se inician en la fotografía puede ser un lenguaje bastante difícil de poder captar, pero en sí, una vez que se asimila el concepto es lo más sencillo del mundo.

Quiero en este Post referirme a ellas de manera sencilla, en lenguaje de humanos, sin términos que confundan a los que hoy desean incursionar en este campo: Los conceptos que tocare son tres:

1. Abertura de Diafragma
2. Velocidad de Obturación
3. El ISO

ABERTURA:

Es la que determina de manera precisa el paso de la luz hacia el sensor digital o la película, es la encargada de llevar la imagen a través de la lente y se puede variar en pasos de diafragma o stops.


Como podemos apreciar en la ilustración: A cada diámetro de diafragma corresponde una medida específica en una numeración que se conoce como números “f”.

Mientras mas grande es el numero “f” corresponde a la abertura más pequeña. Es decir, el diámetro por el cual ingresa la luz es mucho más reducido (“f” 22) si lo consideramos con el valor extremo que sería “f” 2.

Pero no se limita solo a dejar pasar más o menos luz al sensor, es la encargada también de controlar la Profundidad de Campo, uno de los términos que el fotógrafo conoce y se sirve de él a diario para poder hacer mejores fotografías.

PROFUNDIDAD DE CAMPO:


Si la tuviese que definir en mis propias palabras diría que es el área específica que va desde la cámara al sujeto y del sujeto al fondo, pudiendo esta, a voluntad nuestra quedar de manera definida o totalmente desenfocada con la única finalidad de poder darle protagonismo a nuestro centro de atención o tema de la fotografía. De manera curiosa resulta ser que a más pequeño número “f” del diafragma corresponde el área totalmente definida en la fotografía y a medida que se va abriendo el diafragma en pasos consecutivos se va perdiendo la definición hasta llegar por completo a ver un fondo que se intuye, pero no se visualiza con todos sus detalles, proveyendo de esta manera, destacar al primer plano o sujeto de la toma.


Fotografía a ISO 50. 1/ 200 seg. “f” 3,5

Otras de las variantes a tratar son la velocidad de obturación y sus respectivos resultados sobre la fotografía final, las voy tratando de una en una, y a la vez, explicando que es lo que obtenemos de cada una de ellas.

VELOCIDAD DE OBTURACION:

Es el mecanismo simple del disparo de la cámara, se ejecuta en fracciones de milésimas de segundo o por decirlo de manera más simple y sencilla, es el tiempo que permanece abierto un mecanismo que permite que la luz llegue al sensor electrónico ó película, una vez que se hay decidido, la abertura de diafragma, tomando en cuenta factores como: La luz existente y el efecto de profundidad de campo que presentara la fotografía.


De la velocidad de obturación se desprenden algunas variantes como lo son: La congelación o la sensación del movimiento, en ambos casos, es el fotógrafo el que decide de manera primaria cual va a utilizar dependiendo de sus fines. Las velocidades altas captan el movimiento y lo detienen a altas velocidades y la sensación del movimiento se genera a partir de velocidades muy bajas, en los que el obturador permanece más tiempo abierto dando paso a que se registren imágenes que se aprecian de manera inicial como borrosas, por supuesto que esto no tiene nada que ver con una fotografía desenfocada. Las velocidades que nos permiten congelar el movimiento están por arriba de los 1/250 de seg. llegando a 1/8000 en algunas cámaras de gama media alta. Caso contrario, las velocidades que nos permiten crear la sensación del movimiento se localicen debajo de los 1/15 de seg.


Fotografía a ISO 50. 1/ 13 seg. “f” 2.8


Fotografía a ISO 100. 1/ 2 seg. “f” 3.5

EL ISO O SENSIBILIDAD:

Un concepto a tener en cuenta a la hora de hacer fotografía, de él dependerá el grado de nitidez que pueda presentar una fotografía a la hora de ser ampliada.

Yo en lo personal no veo la necesidad de los fabricantes de llevar el ISO a los extremos, cuando por regla general se sabe que a menor ISO posible, la definición en la fotografía será mucho mejor y presentará más detalle en el área de las sombras.

Cuando se utilizan ISOS altos es cuando las condiciones de iluminación son demasiado bajas como para que el sensor pueda hacer una lectura y captación de la imagen, pero el resultado final es una foto que presentara una granularidad (película) y un ruido (digital) que se observa como una fotografía sin definición. Haya cada quien y sus gustos, yo me enamore del ISO 50 de mi SAMSUNG PRO 815, es increíble lo que he hecho con esta máquina usándolo, a la hora de ampliar llego casi a los 40 x 60 pulgadas con un detalle súper fino.


Fotografía Canon 40D ISO 1600. 1/ 5 seg. “f” 5.6

Lastima grande que los sensores CMOS de las Canon no presenten esta variante de ISO, es preciosa la 40D y lo que hace, es magnífica, pero imagínense que se pudiera seleccionar un ISO 50 en ella, sería formidable, bueno, me conformo, modelos de Nikon su ISO más pequeño se sitúa en 200, y ya ahí hay problemas de ruido, en fin, cada quien con sus preferencias.

Tengo ya cerca de los 14 años de Docencia Universitaria y siempre les digo a mis alumnos que en la fotografía no hay nada absoluto, todo es relativo, todo depende de las condiciones imperantes de luz , a los que se inician les recomiendo el uso del trípode para cuando se quieran hacer fotos con luz existente muy baja, cuando se quiera usar un ISO bajo o una abertura pequeña para poder manejar su profundidad de campo.

Por hoy les dejo este Post, estaré subiendo pronto la 2da. Parte que trata de la Exposición Avanzada, en ella se analizaran los valores EV y su uso dependiendo de los temas y los modos de medición. Será entonces hasta la próxima.

LENTES IMAGE STABILIZER DE CANON

ENTRANDO LA NOCHE

Apasionado por esta bella dama siempre, fotografiarla es como rendirle tributo a su especial belleza. Cuantos sueños, cuantos anhelos entretejidos en la mente y el corazón al solo observarla.

Estas fotos que ilustran el Post, como lo habia prometido, estan realizadas con la CANON 40D, soberbia maquina, tiene una manera de exponer tan precisa que es elocuente lo que se puede hacer con ella.

En este Post quiero comentar un poco acerca de la ESTABILIZACION DE LA IMAGEN y de manera propia de los lentes IMAGE STABILIZER DE CANON, por algo son los líderes en el mercado, ya que fueron los primeros que introdujeron este sistema.

¿Cuándo y por qué suele moverse la cámara?

Es posible que sus imágenes aparezcan borrosas al ampliarlas: hay fotografías cuya apariencia es correcta en tamaño de postal pero quedan borrosas en tamaños mayores. De hecho, la cámara se mueve más a menudo de lo que puede parecer. Una fotografía puede quedar borrosa por distintos motivos.

Uno de ellos es el uso de teleobjetivos, que le permiten disparar a sujetos pequeños con un gran aumento pero que también transforman las pequeñas vibraciones que se producen durante el disparo en imágenes muy borrosas. Otro motivo es la realización de fotografías en lugares oscuros. Las fotografías realizadas con velocidades de obturación bajas en una postura poco firme o sobre una superficie inestable (como un tren o un barco) suelen quedar borrosas.

¿Cuál es la mejor forma de evitar que las imágenes queden borrosas por el movimiento de la cámara?

La forma más fiable para evitar este movimiento es el uso de un trípode. Además, el uso del flash puede ayudar a aumentar la nitidez al disparar en condiciones de poca iluminación. Sin embargo, no resulta cómodo cargar un pesado trípode cuyo uso, además, está prohibido en determinados lugares. Por si esto fuera poco, en ocasiones el uso del flash puede arruinar el ambiente de una escena al distorsionar las condiciones de luz natural de la atmósfera. En cualquiera de estas situaciones, los objetivos IS de Canon representan la solución definitiva para los problemas de nitidez. Con un único objetivo IS puede capturar imágenes con luz natural en cualquier momento y lugar, sin necesidad de equipo ni ajustes adicionales.

¿Cómo evitan los objetivos IS de Canon que las fotografías queden borrosas por el movimiento de la cámara?

Los objetivos IS de Canon detectan el movimiento de la cámara gracias a dos sensores giroscópicos que cambian los componentes del objetivo en dirección de la vibración para contrarrestarla y asegurar la nitidez. Al presionar el disparador hasta la mitad con la función de Image Stabilizer (estabilizador de imagen) activada, la compensación del movimiento de la cámara se activa en sólo 0,5 segundos. La optimización del rendimiento óptico potencial del objetivo le permite capturar imágenes de gran belleza.

¿Cuál es la eficacia de la capacidad de compensación del movimiento de los objetivos IS de Canon?

Por lo general, la velocidad de obturación que permite a los fotógrafos realizar fotografías nítidas es de "1/distancia focal". Por supuesto, cuando mayor sea la velocidad de obturación, más nítida quedará la fotografía. Si los comparamos con objetivos sin Image Stabilizer (estabilizador de imagen), los objetivos IS de Canon pueden conseguir la misma nitidez con velocidades de obturación de 2 y 3 puntos (incrementos) más lentas. Echemos un vistazo, por ejemplo, a un objetivo EF-S 17-85 mm f/4-5,6 IS USM. La distancia focal máxima real de este objetivo equivale a 136 mm en cámaras como el modelo EOS 400D DIGITAL y otros que incorporan sensores de imagen APS-C, por lo que la velocidad de obturación más lenta que se puede utilizar, por lo general, para conseguir imágenes nítidas es de 1/125 seg. Sin embargo, si se activa la función IS, se puede reducir esta velocidad en tres puntos (hasta 1/15 seg.) sin que la nitidez se vea afectada. De esta forma puede disparar con velocidades de obturación más lentas sin miedo a que las imágenes queden borrosas, lo que aumenta espectacularmente sus posibilidades en muy distintas situaciones y variantes fotográficas.

Esta fotografías estan tomadas cámara en mano, sin tripode, la velocidad de exposición ha sido de 1/125 de segundo, a "f" 5, 6 en modo Program, con la medición evaluativa y con un lente Canon EF 55-250 Image Stabilizer.

Cabe mencionar que es aqui donde se agradece la estabilización de la imagen a travez de la lente, estos objetivos de ultimo diséño de Canon realmente lo que permiten es ganarse las condiciones ideales dadas las condiciones de luz, para estas tomas eran las 18:00 horas en mi país, lo suficiente oscuro como para que cualquier lente tuviese problemas de enfoque

Ha sido un placer, espero que este Post sea de utilidad para Profesionales y Amateurs y para todos aquellos que sienten la misma pasión por la Fotografía que este su servidor.

Hasta la próxima.

MI NUEVA E INSEPARABLE AMIGA

LA CANON 40D

Desde hacía algún tiempo me rondaba la idea de hacerme de esta espectácular máquina firmada por Canon, hoy que la tengo en mis manos quiero anticiparles a mis amigos y lectores de este espacio que verán los articulos editados sobre los diferentes temas que aborde con las imagénes de esta preciosa máquina.

Para mencionar solamente algunas de sus características:

• Sensor CMOS de 10.1 megapixeles
• Live View
• Cuerpo de aleación de magnesio
• El sistema de medición matricial sobre 35 zonas
• Nueve puntos de enfoque en cruz
• El modo de “Prioridad tonos altas luces”
• 6.5 cuadros por segundo
• Limpieza automática del sensor

Cabe mencionar que sigo siendole fiel a mi querida SAMSUMG PRO 815, sólo que es momento de que le de un tiempo de reposo, se lo merece, todas las fotografías de este Blog han sido hechas con ella, sigue siendo una máquina poderosa y muy apreciada que hoy comparte conmigo la idea de unas merecidas vacaciones.

Y para muestra un botón, las primeras fotos hechas con la Canon 40D, les prometo que habrá de que platicar pronto.

Hasta pronto

USANDO EL FLASH DE RELLENO EN EXTERIORES

FOTO TOMADA A 1/1000 DE SEG. Y -2 EN LA COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN , MEDICION MATRICIAL DE LA ESCENA Y DISPARE EL FLASH DE RELLENO EN +1.

FOTO TOMADA A 1/1000 DE SEG. Y -2 EN LA COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN, MEDICION MATRICIAL DE LA ESCENA.

FOTO TOMADA A 1/1000 DE SEG. Y -2 EN LA COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN, MEDICION MATRICIAL DE LA ESCENA.

Uno de los problemas más grandes que tienen los fotógrafos, sean digitales o convencionales, es la iluminación.

La iluminación a contraluz (que viene de detrás del sujeto en vez de detrás del fotógrafo) puede destruir una toma. La cámara no nota las sutiles diferencias de tono que el ojo humano detecta.

Si le tomas una foto a una fuente de luz, la cámara registrara los objetos como si estuvieran a oscuras, así estés a plena luz del día. De la misma manera que una persona tiende a guiñar los ojos cuando mira una luz demasiado fuerte, la cámara cerrará la apertura del lente y no verá más que sombras.

¿Es posible hacer algo al respecto? Después de todo, no siempre es posible regresar cuando haya cambiado la luz para tomar la foto o quizá lo que se desee sea iluminar solo de manera adecuada el primer plano y mantener el tono de la iluminación ambiente tal y como se presenta.

Si te encuentras bajo techo, es fácil controlar la iluminación.

De lo contrario existe una fácil manera de resolver este problema.

EL FLASH DE RELLENO:

La mayoría de cámaras tienen la función de flash de relleno, por medio de la cual el flash se activa cada vez que oprimas el obturador, así sea de día. De esta manera los objetos que aparecerían oscuros a contraluz reciben la luz necesaria y se ven más brillantes y con colores vivos.

Las fotos en la parte de arriba de la página demuestran cómo el uso del flash puede cambiar una imagen por completo.

En la primera foto se ve iluminada perfectamente a la modelo, aqui se trata de equilibrar la luz natural del atardecer con el destello del flash, ambas son luces diferentes, la del flash va calibrada a 5,500 Kelvin y la puesta de sol esta a 3,000 Kelvin.

Aqui es donde quiero extenderme en la explicación: Normalmente bastaria con que acccionara el flash de la cámara y listo, la modelo queda iluminada, pero el fondo se va a negro por la velocidad de obturación de la camara, normalmente se ajusta en 1/125 y ocurre eso.

En esta toma de Gabriela, era eso precisamente lo que buscabamos de la sesión, estar en el momento justo del atardecer y que ella se viera perfectamente iluminada sobre el cielo y el sol.

Lo primero que hice fue rapidamente tomar una medición de la luz del sol, apunte directo a la fuente de luz: el sol y me daba en modo Program una medición erronea, por ello me fui al modo Shuter /Velocidad y seleccione 1/1000 de segundo, la abertura me la estaba dando por default la cámara, sature el color de la escena, (como en los viejos tiempos de la película de slides) en -2 pasos y accione mi flash de relleno en + 1 y listo, eso es lo que ven en la primer foto de este post.

La segunda foto es el tipico efecto en silueta, el fecto no es malo, si se parte de que lo que se quiere es lograr la silueta, no hay nada mejor que no accionar el flash de relleno y dejar la medición como la anterior, en las dos tomas que muestro arriba lo unico que vario fue que en una accione el flash y en la otra lo apague.

La tercera foto que incluyo es la del protagonista, el señor sol,fue el el que mando en la selección de la velocidad y todos los ajustes para las tomas.

• La primera imagen es brillante y se pueden ver todos los detalles del entorno, maquillaje, atuendo y parte del prime plano que es el césped.
• La segunda foto está ella en la sombra , solo se percibe su silueta, por supuesto,el sol cayendo es el protagonista, no es mala, me encantaron las dos opciones y a Gabriela también.
• La tercera quedo perfectamente expuesto, con los detalles propios del atardecer.

ENTIENDE Y CONOCE TU CAMARA:

Algunas cámaras digitales vienen con la opción de utilizar un flash exterior. Otras sólo permiten el uso del flash interno de la cámara, que muchas veces está demasiado cerca a lente, lo cual produce una luz demasiado fuerte y de vez en cuando el enrojecimiento de las pupilas de los sujetos.

Si tu cámara permite el uso de distintos tipos de flash, o diferentes opciones para usar el flash interno, es una buena idea experimentar con distintas condiciones de luz y distintos parámetros del flash hasta que obtengas el resultado que buscas.

Estas son algunas de las circunstancias en las cuales puedes necesitar el flash:

• Afuera, cuando el sol (u otra fuente de luz) se encuentra detrás de tu sujeto

• Adentro, cuando no puedas alterar la iluminación

• Cuando desees iluminar una cierta parte del sujeto mientras el resto permanece a la sombra debido al efecto de contraluz.

• Cuando te quieras asegurar que el objeto en el primer plano está lo más iluminado posible.

• Si a tu sujeto le molesta el sol en los ojos

Espero que este post te sea util cuando estes frente a una situación igual, las fotografías que tomes te quedaran sencillamente fantásticas.

Hasta pronto.

BALANCE DE BLANCOS

QUÉ ES Y CÓMO SE USA?

El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual.

Si no tienes claro cómo funciona esta opción de tu cámara o, simplemente, nunca te has planteado su uso, lo que te voy a contar te interesa.

En este artículo te explico qué es el balance de blancos y cómo configurarlo correctamente para mejorar notablemente el resultado de tus fotos.

La luz que entra por el diafragma y se registra en el CCD (Dispositivo de carga acoplada) o CMOS (transistor complementario de óxido de metal), no es siempre la misma.

Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos de ella, que dependen de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía.

En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante.

Una cámara digital no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que está calibrada de forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la Temperatura del color de la luz del Sol.

Para compensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar en la cámara la ganancia de cada una de las componentes de color.

EL BALANCE DE BLANCOS EN LAS CAMARAS DIGITALES

La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático (AWB). Como les he explicado anteriormente, lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

LOS MODOS DEL BALANCE DE BLANCOS

Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes:

Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.

Soleado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad.

Nublado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o de cielo muy cubierto.

Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente.

Kelvin: Se puede ajustar manualmente desde 2,200 a 10,000

Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy útil disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

AJUSTE MANUAL DEL BALANCE DE BLANCOS

El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales de la escena fotografiada.

UNA EXPLICACION SENCILLA DE LA TEMPERATURA DEL COLOR

Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectro lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro.

Se mide en Kelvin, (El kelvin es la unidad de Temperatura de la escala creada por William Thompson en el año 1848.) según una norma que sitúa en 5.500 K la luz del día teóricamente perfecta.

Para días nublados, la temperatura del color sube (se produce una dominancia del azul) hasta los 12.000 K, mientras que en el interior de una casa con iluminación artificial esa temperatura baja a unos 2.500 K, con una dominancia del rojo.

Espero que estas notas sean de utilidad a la hora de seleccionar el tipo de balance en vuestras cámaras, dependerá obviamente, de las condiciones de luz que predominen en la escena. Suerte

Hasta la Próxima.

EN BUSCA DE LA PERFECCION EN EL RETRATO

Muchos eruditos de la fotografía han dicho que una foto relata una historia: Habla de un momento, una situación, sus emociones, un recuerdo.

Mi vida como fotógrafo profesional se encuentra irremediablemente ligada a las personas, protagonistas - en la mayoría de los casos- de esas historias, copartícipes conmigo de ese momento inolvidable.

Captar una historia a partir de la expresión de un rostro, de una mirada penetrante, una pose coqueta, lo que quieras, me parece uno de los desafíos más apasionantes de la fotografía y ante el cuál no puedo más que sentirme agradecido por poder plasmar para el actor de mi escena, la mas bella de las realidades, jamás me he sentido indefeso con la cámara en mis manos, es más, he sentido siempre la oportunidad de darle algo de manera especial a mi modelo, a la persona que posa frente a mi cámara.

Tal vez es por esto que hoy me animo a escribir este post para conseguir retratos inolvidables. En el voy a dejarles unos consejos básicos que le puedan ayudar a inmortalizar y conseguir sus mejores retratos. Así que al detalle.

Hay varias puntos que debemos de observar para adentrarnos de lleno en el Retrato, los mencionare en orden de importancia para su estudio.

ENFOCA DIRECTAMENTE A LOS OJOS.

Los ojos son el mayor imán para nuestra atención: son un elemento clave en la comunicación y por eso deben tener un papel central en nuestros retratos.

Bien dice por ahi un dicho: LOS OJOS SON EL ESPEJO DEL ALMA.

Salvo que quieras centrarte específicamente en una parte del rostro (por ejemplo, los labios), enfoca a los ojos. Especialmente cuando trabajes con profundidad de campo muy reducida (los números "f" bajos).

Unos ojos penetrantes, bien enfocados suelen causar un efecto impactante.

USA UN FONDO SIMPLE

Si hablamos de retratos, nos suele interesar centrar la atención lo más posible en la persona. Busca que esta contraste lo más posible sobre el fondo. Juega con aperturas reducidas y fondos lo más simples y homogéneos posible. Evita, en la medida de lo posible que haya líneas muy definidas que corten el sujeto de tu retrato en 2 o 3 partes. En definitiva, reduce lo más posible los elementos que puedan distraer de la contemplación de la persona que estás fotografiando.

UBICALO FUERA DE CENTRO

Estoy visualizando la típica foto: una persona fotografiada a medio cuerpo y con la cabeza en el centro geométrico del marco. Estas composiciones raramente funcionan bien. No hay por que obsesionarse con centrar tu retrato en el visor de la cámara. Ubicate en los extremos. No no hay que pasar desapercibida la regla de los tercios y sitúa algún elemento (ojos, labios) en los puntos fuertes de atención del encuadre.
A veces la belleza se esconde en pequeñas imperfecciones o en elementos que no estan pareados.

RECORTA EL ENCUADRE

No es necesario recoger todos y cada uno de los pixeles de la persona que vas a retratar. A veces un encuadre en que ciertos elementos quedan fuera ayudan a centrar la atención sobre los puntos más llamativos de tu retrato. Por ejemplo, encuadres en los que se recorta ligeramente por encima de la mirada suelen funcionar bastante bien porque ayudan a centrar la vista en los ojos.

DE CERCA, MUY CERCA

No lo uses como una ley que siempre has de cumplir. Pero en general, no renuncies a acercarte un poquito más. Ten claro que es lo que tiene que aparecer en tu foto y no metas ni un elemento superfluo más. Si no lo conseguiste en tiempo de disparo, recuerda que luego puedes ayudarte con tu editor favorito a realizar el reencuadre: esta es una técnica que usan incluso los más grandes enemigos del programa para mi favorito para mis manipulaciones digitales: Photoshop

EVITA LA LUZ DIRECTA

La luz molesta, hace que por mucho que lo intentemos tendamos a cerrar los ojos. Y si nos obligamos a abrirlos, forzamos la postura natural del rostro.

Evita las luces directas e intensas. No hay cosa peor que un rostro que tiene demasiados brillos ocasionados por la luz fuerte y direccional, las sombras se vuelven mas pronunciadas y las partes donde la iluminación recae directamente se quema, es decir, las altas luces pierden su información totalmente.

Yo en lo personal prefiero fotografiar con la luz de la mañana, de 7:00 a 9:00 AM, al mediodia guardo mi cámara si se que no dispongo de sombra, la vuelvo a tomar cuando ya la luz es inclinada, tipo de 3:00 a 6:00 PM.

CONSEJOS FINALES:

Dado que la fotografía digital nos pone al alcance la inmediatez de la imagen y la posibilidad de disparar muchas fotos, no te limites, toma muchas fotos, varía cada uno de los puntos mencionados y verás como obtienes fotografías diferentes, máximo si te dedicas como profesional a los retratos.

Hasta la próxima.

ABRIENDO UN ARCHIVO JPEG EN EL MODULO ADOBE CAMERA RAW Y RETOQUE FINAL DE UNA IMAGEN DE MANERA PROFESIONAL

IMAGEN FINAL TOTALMENTE RETOCADA

Hoy quiero explicar de manera precisa una técnica que me parece muy correcta y adecuada paa poder retocar de manera profesional una fotografia realizada en el modo de compresion JPEG, voy a usar el modulo de ADOBE CAMERA RAW para dicho fin. Con esto lo que pretendo es hacer mi retoque de una manera mas profesional y las herramientas de Camera Raw son bastantes intuitivas y poderosas para lograr una imagen mejor que con los medios convencionales que ya conocemos de Photoshop.

Para ello voy a usar una fotografía de Yembly, una linda modelo de Costa Rica a quien tuve el honor de conocer y fotografiar en una sesión con mis alumnos de la Universidad Rafael Landivar.

El color de la tez de esta preciosidad era ideal para la iluminación y el atuendo que vestia, me hizo recordar a una Diosa Griega.

Las fotografías de la sesión estan realizadas con mi cámara favorita, la SAMSUNG PRO 815, estan tomadas en modo matricial o multisegmentos, con el ajuste de blancos a la luz solar, el flash de relleno en -1, en ISO 50 y a 8 megapixeles de resolución en JPEG de calidad extrafina.

Mencione todos estos datos porque a partir de ellos usare de manera más eficaz las herramientas de Camera Raw.

PASO 1

Lo primero que debo de hacer es abrir mi imagen, no de la manera habitual como OPEN sino como OPEN AS o ABRIR COMO.

Aca selecciono la opción ADOBE CAMERA RAW y hago click en Open

PASO 2:

Automáticamente se abre la interfaz de Camera Raw donde haré todos mis ajustes a la imagen.

PASO 3

Para poder tener una mejor visualizacion de los ajustes que voy a realizar amplio la imagen a un tamaño conveniente.

PASO 4:

Aqui es donde empiezo a hacer las correcciones a mi imagen, como podran ver en la foto del paso 3 la imagen esta como se ha capturado en la cámara y las tonalidades son un poco amarillas debido al balance de blancos. Esto es lo primero que haré, ajustar el balance para partir de ahi a todas las demás correcciones. Esta es una parte esencial del proceso y se requiere del ojo educado del fotógrafo en cuanto a su percepción de los colores, la práctica hace al maestro.

Aqui lo primero que hago es tomar el gotero y lo coloco encima de la parte de blanco de la imagen mas clara que tengo, esto me da paso a los demas ajustes.

PASO 5:

Para mi ojo en particular siento que la escena esta cargada de amarillo por lo cual procedo a buscar su equilibrio y en el matiz le agrego un poco de azul, el color complementario del amarillo, pueden ver que la foto de la modelo adquiere uan tonalidad más ajustada a la realidad.

PASO 6:

Ahora voy a incrementar un poco la exposición de la toma, esta fue realizada en un interior con la luz proveniente de una ventana lateral y necesita ser aclarada en su ambiente general.

PASO 7:

En este paso lo que haré es recobrar un poco las altas luces que se han quemado, en especial las del vestido blanco de la modelo, para ello corro el cursor del Recovery hasta donde mi ojo me indique que es lo correcto y ya esta.

PASO 8:

Ahora me voy a rellenar de luz, corro el cursor del Fill ligth hasta donde crea que es correcto rellenar la imagen, no se debe de aclarar demasiado, recordad que esta no es la luz principal, es solamente la que nos ayudara a no dejar demasiadas sombras densas en la imagen, sed cuidadodos con ella, de lo contrario se sobreiluminara la escena.

PASO 9:

Así como he recobrado las altas luces y he rellenado mi imagen, debo también de recordar que la escena debe de presentar ciertos negros que son los que darán el vólumen a la fotografía lo hago de igual manera corriendo el cursor y analizando en la imagen ampliada hasta donde mi ojo me diga que es correcto. Como se podrán dar cuenta, el ojo es lo más importante aca, ya que de él dependerán las correcciones para que se vean reales y correctas.

PASO 10:

Ahora aplico un leve porcentaje de claridad a toda la escena, debe de ser mínima para no estropear los ajustes que ya hemos hecho a la imagen.

PASO 11:

Ahora voy a ir a aplicar una de las herramientas más utilizadas en el retoque de las imágenes y voy a aplicar un poco de nítidez a la toma general, deslizo de manera igual los cursores de la cantidad , el radio y aplico esto a la imagen, es como una máscara de enfoque.

PASO 12:

Ahora puedo ver la foto original haciendo click en el botón de Preview , arriba al lado del Histograma y me puedo dar cuenta de como era y como ha quedado después del retoque digital.

PASO 13:

Ahora que ya tengo corregida la imagen en todos los pasos anteriores me voy al recuadro que dice Open Image.

PASO 14:

Automáticamente me abrira la foto en la Interfaz de Photoshop ya con todos los cambios efectuados.

PASOS DEL RETOQUE FINAL:

Ya que tengo abierta la imagen corregida de la interfaz de Adobe Camera Raw procedo a hacer los retoques de Glamour a la imagen, para ello lo primero que hago es duplicar mi capa, a esta la llamara RETOQUES, en ella haré todas las correcciones que considere necesarias, quitar alguna basurrilla con el tampon de clonar, etc.

PASO 1:

Ya duplicada la capa me voy al menu Image y selecciono APPLY IMAGE, Aplicar Imagen, al dar click en esta opción se abre un cuadro de dialgo donde escojo el modo SCREEN y en este caso le he dado un valor de 25%, esto me aclara un poco la imagen, pero me servira para la aplicación del resto del retoque.

PASO 2:

Después de haber hecho esto voy a duplicar esta capa que he creado y me voy a los ajustes finales, aqui es donde se consigue el aspecto de la imagen glamorosa que esta al inicio del post, en ella lo que hago es seleccionar en el menu FILTER - BLUR- GAUSSIAN - BLUR y le doy un valor de 15 pixeles, como se darán cuenta la imagen se vuelve borrosa, es el efecto del glamour.

PASO 3:

Me voy a los modos de fusión de los layers y selecciono la opción SOFTLIGTH con lo cual la imagen toma un brillo especial y glamoroso.

PASO 4:

Ahora tengo una imagen refinada, linda en todos sus tonos y sus sombras, la podría dejar asi, pero de manera particular me gustan los tonos mas sobrios por lo cual en la misma capa me voy al menu IMAGE y buesco la opcion ADJUSTMENTS - DESATURATE, esto lo que va a hacer es crear una capa de negro sobre la imagen en color de la capa y le bajo la opacidad un poco, en este caso la deje en un 49%, vean el efecto que se logra con ello.

PASO 5:

Por último abro un nuevo layer y en el coloco mi credito, mi nombre para que se sepa quién es el autor intelectual de la fotografía, recomiendo mucho hacerlo, con ello no estamos exentos de que alguien copie nuestras fotos, pero le sera un poco dificil.

Como un factor positivo nos ayuda a crear un estilo de fotografia y que las personas nos identifiquen a traves de él.

PASO 6:

Consiste en guardar la fotografia, yo por lo regular guardo mi archivo PSD o formato de Photoshop, con todos los layers, por si quiero hace alguna corrrección posterior y mi copia final al cliente la entrego en Formato JPEG, guardado en calidad 10 para no ocupar demasiado espacio en mi disco duro.

Bueno espero que este Post sea de mucha utilidad para los amantes de la fotografía, nos vemos en el próximo.